Tercera llamada EN EL SALÓN DE CLASE

A manera de introducción

Como docentes, no deberíamos temer al teatro. A diferencia de otras disciplinas artísticas que requieren conocimientos técnicos básicos para impartirse, como la música y las artes visuales (sin que ello signifique que éstas no pueden enseñarse en el aula), el teatro es más cercano a nosotros de lo que pensamos, gracias a su estrecha relación con el lenguaje y la cotidianidad. El teatro es palabra y es acción. Es, quizá, la claridad de esta última idea lo que nos permita navegar confiados en los mares del drama y de la escena.

Lenguaje y cotidianidad. Palabra y acción. Esto puede resumirse en dos conceptos elementales para actuar: la voz y el cuerpo. Éstas son las herramientas del actor. Entonces, para la clase de teatro, no se necesitarán instrumentos, pinceles, colores, grabaciones u otros objetos. Las herramientas del actor no son la escenografía, ni el maquillaje, ni el vestuario, ni la utilería, ni la iluminación. Un gran actor sólo requiere su voz y su cuerpo para lograr una conexión con su público y transmitirle emociones. Bien, parece que para dar una clase básica de teatro sólo se necesita a los alumnos, pues cada uno de ellos posee las herramientas de un actor.

Para iniciar es importante identificar las emociones básicas

¿Para qué utiliza sus herramientas un actor? Para crear y transmitir emociones. ¿Cuáles son las emociones? En ocasiones llamamos emoción a algo que no lo es, y esa falta de claridad es parte de lo que nos aleja de impartir clases de teatro. Al ensayar una obra escolar, es común que un docente le pregunte a uno de sus alumnos que actúa en la puesta en escena: “¿Qué siente tu personaje?” Sin duda es una cuestión relacionada con las emociones; sin embargo, la pregunta suele responderse con todo tipo de términos como: ansiedad, deseo de venganza, miseria, desesperación, o angustia, por mencionar algunas. Nada de eso es una emoción básica para un trabajo actoral elemental. Para no perdernos en la enseñanza del teatro, debemos acumular algunos conocimientos básicos y nunca olvidarlos, ya que son los que darán soporte a nuestras clases. Podemos identificar siete emociones básicas: alegría, tristeza, amor, odio, miedo, enojo y disgusto. Claro, cada una de ellas puede tener distintos niveles de complejidad o intensidad. Así, el miedo puede ser un simple susto o convertirse en terror o en pánico. Sí, pero, por ahora, para iniciar, es suficiente conocer las emociones básicas.

¿Debe un actor experimentar de forma auténtica una emoción mientras efectúa su trabajo? Me parece que no, aunque hay técnicas de actuación que se basan en la memoria afectiva de los intérpretes para conectar con las emociones de forma más –aparentemente– convincente. De suerte tal que dichas técnicas o escuelas están más cerca del psicoanálisis que del arte, no considero necesario que la clase de teatro deba convertirse en catarsis emocional para los alumnos.

Realizar teatro en la escuela ofrece la oportunidad de explorar el cuerpo como medio de expresión, y el teatro, como una forma de entender el mundo que viven los alumnos, el que habitaron miles de hombres en el pasado y todo aquel que seamos capaces de imaginar. Hacer teatro es una posibilidad de inventar el mundo y de estimular la creatividad. Si la ciencia se ocupa del mundo posible, el arte en escena permitirá a los jóvenes ocuparse no sólo de todos los mundos posibles sino de todos los imposibles.

Objetivo

Despertar la conciencia espacial y el control corporal.

Materiales

Reproductor de música y grabaciones de distintos géneros. Los alumnos deben presentarse con ropa adecuada para realizar trabajo físico.

Inicio

Despeje el salón o desarrolle la actividad en un espacio en donde los alumnos puedan correr y saltar con facilidad. Explique a los alumnos que, en el teatro, los actores crean personajes y para ello se valen de su cuerpo y su voz. Reflexione con su grupo acerca de la importancia del control corporal en el trabajo actoral y pregunte acerca de las ocasiones en las que el cuerpo es capaz de transmitir ideas o mensajes sin utilizar palabras. Un control importante del cuerpo permite a los artistas escénicos tener mayores posibilidades de crear personajes. Comente que los actores deben desarrollar conciencia espacial para desplazarse en el escenario con seguridad y sin accidentes.

Desarrollo

Pida a los alumnos que se desplacen por el espacio a la velocidad que usted les indique, en donde cero es quedarse absolutamente quieto, cinco es caminar, diez es correr y los otros números son matices entre dichas velocidades. Por ejemplo, cuando les pida la velocidad uno, indíqueles que imaginen la velocidad de las plantas: ellas se mueven, aunque no lo noten; así de lento debe ser. Para el dos, invítelos a pensar que están en concreto a punto de secarse y que casi no se pueden mover. El tres es una invitación a jugar en un frasco de miel o gelatina, y el cuatro es como bucear. En el número seis, caminan ligeramente aprisa. Cuando les pida el siete, podrán imaginar que quieren llegar al baño con discreción. En el ocho, se les hizo tarde para acudir a su cita, y en el nueve, están a punto de perder el autobús. Es importante que los participantes no hablen entre ellos, que no caminen en círculo y que cambien frecuentemente de dirección. Así mismo, en las velocidades rápidas, como el nueve o el diez, es de vital importancia no chocar con otros. En cada velocidad invite al grupo a pensar en qué personajes podrían moverse así o en qué circunstancias. Pueden imaginar personas, animales o seres fantásticos.

Para complementar la actividad, ponga música de distintos géneros durante la sesión e invite a los alumnos a identificar la velocidad en las piezas que escuchan para moverse de forma homogénea.

Cierre

Es muy importante que los entrenamientos escénicos se terminen con un círculo en donde todos emitan su opinión de la actividad y sus experiencias para que juntos encuentren conclusiones. Se sugiere plantear las siguientes preguntas para reflexionar: ¿Fue posible mantener la velocidad en todo el cuerpo?, especialmente en las velocidades lentas. ¿Qué relación existía entre el movimiento y el espacio en las distintas variaciones?

Objetivo

Reconocer aspectos corporales como la kinesfera y el nivel como recursos de interpretación y actuación para la creación de personajes.

Materiales

Reproductor de música y grabaciones de distintos géneros o estilos. Los alumnos deben presentarse con ropa adecuada para realizar trabajo físico.

Inicio

Una clase de teatro siempre va a requerir trabajo físico, ya que el cuerpo es una de las herramientas principales del trabajo actoral. Es por ello que debe despejar el espacio del aula, trabajar en el patio de la escuela o en un lugar amplio, como un salón de usos múltiples o un gimnasio.

Indique a los alumnos que los actores y bailarines (que también son artistas escénicos) controlan su cuerpo y son conscientes de todos los movimientos que llevan a cabo. Pregunte a su grupo: Además de caminar y correr, ¿de qué otras formas se mueve su cuerpo cuando no están acostados o sentados? ¿Cuáles son los movimientos corporales de sus personajes favoritos?

Explique a los alumnos que hoy trabajarán con la kinesfera, que es una especie de burbuja imaginaria que los rodea y cuyos límites son la distancia hasta la que pueden estirar sus brazos y piernas en todas las direcciones. Por su parte, los niveles en los que podrán moverse en el espacio son el bajo (arrastrase, rodar, acostarse, gatear, etcétera), el medio (caminar, bailar, correr, entre otros) y el alto (saltar, caminar de puntas, subirse a superficies que les permitan ser más altos, como escaleras, sillas o escritorios).

Desarrollo

Pida a los alumnos que se desplacen por el espacio explorando su kinesfera y sin invadir la de otros. ¿Hasta dónde pueden estirarse hacia arriba, enfrente, atrás y a los lados? Combine la exploración de la kinesfera con la actividad anterior e indique al grupo velocidades de desplazamiento.

Ahora, comunique a sus estudiantes que explorarán los niveles de desplazamiento. Para comenzar, usted determine los niveles por explorar: alto, medio o bajo. Después de unos momentos, combine velocidad y nivel; por ejemplo, solicite que se desplacen en el espacio a velocidad tres y en el nivel bajo o a velocidad diez en el nivel alto.

Recuerde utilizar música de diversos géneros y ritmos, que será una referencia para que ellos mismos efectúen sus propuestas de movimiento con velocidad y nivel. A pesar de trabajar todos en el mismo espacio, las exploraciones son individuales. Siempre deje claro que no deben hacer comentarios, ya que eso comienza a dispersar la atención del grupo. Los niños van a encontrar divertidas algunas combinaciones; permítales disfrutar la actividad sin que por ello pierdan la atención a las indicaciones.

Cierre

Pida a los alumnos que jueguen (literalmente) a incorporar sus aprendizajes corporales con la creación de personajes. ¿En qué nivel y a qué velocidad se movería un médico o una piloto? ¿Y qué hay de los animales? ¿Cuáles son los niveles y velocidades de una cebra, un elefante o un gorila? No olvide cerrar la sesión con un círculo en donde los alumnos compartan sus experiencias y encuentren sus conclusiones.

Objetivo

Aplicar las herramientas básicas del actor en la creación de personajes.

Materiales

Ropa de trabajo, hojas de papel, tijeras, lápiz o pluma y tres cajas de cartón.

Inicio

Comente con los alumnos la importancia de aplicar los conocimientos y herramientas adquiridos hasta el momento en la creación de personajes. Aclare que un personaje, a diferencia de una persona, no es real y que puede tratarse de un ser humano, un animal o un ser fantástico. Invítelos a despejar el área de trabajo y prepararse para un juego.

Desarrollo

Pida a los estudiantes recortar las hojas de papel en fragmentos pequeños. En algunos pedazos deberán escribir un personaje, en otros una velocidad de cero a diez y, finalmente, un nivel de desplazamiento. Todos los fragmentos de papel deberán doblarse y colocarse en las cajas: una para los personajes, otra para las velocidades y una más para los niveles.

Cada alumno pasará al frente y tomará un papel de cada caja para obtener una combinación como: “gorila-velocidad diez-nivel alto”. Una vez que se tenga la combinación, el alumno deberá ejecutar la interpretación del personaje y también podrá hacer uso de su voz. Todos pasarán al frente por turnos y verificarán que las combinaciones se están realizando correctamente.

Cierre

Forme un círculo de reflexión para que los participantes externen sus experiencias y conclusiones.

Hay dos aspectos que pueden subrayarse durante y después del juego. Uno de ellos se refiere a la ruptura de la lógica. En ocasiones, los niños buscarán aspectos lógicos como “Una tortuga no puede moverse a velocidad diez”. Es importante que los invite a romper la lógica, ya que el teatro es un espacio de libertad creativa. En lugar de observar construcciones lógicas, procure que los chicos se diviertan con las combinaciones más inverosímiles. Este juego, desde su sencillez, es un espacio para crear nuevas sinapsis, como toda actividad creativa.

El otro aspecto es el referente al respeto al trabajo de los demás. Es cierto que estas actividades pueden propiciar la burla o las bromas, pero son también oportunidades para reflexionar sobre la tolerancia, pues a todos les tocará pasar y desde luego que todos esperarán respeto al momento de estar al frente del grupo, por lo tanto, deberán otorgarlo cuando sean espectadores. ♦

NOTAS

* Licenciado en Música por el Centro Cultural Ollin Yoliztli; maestro en Literatura por el Centro de Cultura Casa Lamm. Titiritero, conductor de radio y televisión y director de escena.

▼ Créditos fotográficos

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