De primera impresión, el arte abstracto genera en los adolescentes cierto rechazo porque no lo comprenden con facilidad. Esta situación deja entrever que existe una carencia en la educación artística y visual que recibimos desde muy temprana edad, por lo cual, en muchas ocasiones sólo se valoran como arte las expresiones artísticas figurativas que tienen una complejidad técnica y representan la realidad reconocible. Esto explica que exista una escasa comprensión del arte contemporáneo y de su papel histórico en el desarrollo de nuestra cultura.

Fue a finales de los años cuarenta del siglo XX, cuando un grupo de artistas sintieron la necesidad de negar la complacencia, el adorno y el carácter propagandístico del arte figurativo de ese momento y volcaron sus energías a la creación de un arte que expresara a través de la materia sus verdaderas emociones ante los acontecimientos sociales que estaban viviendo, un arte que los ayudara a liberarse de la opresión y el desequilibrio emocional. Así, centraron su mirada en la expresividad de los materiales, mucho más que en la representación de la forma o el motivo que pintarían.

De esta manera, se desarrollan paralelamente, en los Estados Unidos el expresionismo abstracto y en Europa el informalismo, con una concepción parecida, pero también con sus diferencias de abordaje de la obra artística. Mientras el informalismo es un arte intimista surgido del dolor y desolación de la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo abstracto emerge de la necesidad de construir un arte gestual alejado de todo reconocimiento formal en una sociedad nacionalista como la estadounidense, con un poder económico en ascenso y en búsqueda de una identidad cultural.

La pintura de acción es pura vitalidad: Jackson Pollock lanza sobre el lienzo chorros de pinturas enérgicas, como poseído; es el genio de la creatividad y la libertad del movimiento. La escala de sus obras pictóricas es grandiosa y legendaria. Los informalistas realizan obras intrínsecas e idílicas, la escala es mucho más reducida y la expresión de sus pinceladas es más estática y discreta; el arte informalista, por así decirlo, es menos comercial. Mientras tanto, en el expresionismo abstracto, los Estados Unidos tienen finalmente un arte genuinamente americano, que desean consumir y del cual se sienten orgullosos.

Los artistas estadounidenses dan mayor importancia a las pincelada dramáticas, a lo dinámico; el hombre está creando nuevas posibilidades de expresión y experimentación. En Europa, se da mayor énfasis a la materia, ésta habla por sí misma, por lo tanto, utilizan grandes cargas matéricas en sus obras, superposición de capas pictóricas, collage con diversos materiales como telas, maderas, metales, arenas, telas metálicas y otras texturas. El artista informalista tortura el material, rompe y rasga las telas; en otros casos golpea láminas de metal y crea un nuevo arte a través de la destrucción de la materia. Ambas corrientes tienen modos distintos de relacionar tiempo, pintura y espacio pictórico.

Sin embargo, entre los dos movimientos también encontramos ciertas semejanzas: surgen del dolor y desolación provocados por la guerra, de la decepción de lo que el deseo de poder puede hacer en los hombres, al punto de llegar a la destrucción de su propia especie. Para ambas corrientes, el futuro es desolador y sin sentido, no le ven forma. De este modo, la utopía de una sociedad que trabaja para el bien común termina siendo una mentira, y los artistas se refugian en su propio ser, en sus emociones y en cómo sacar estos sentimientos a la luz.

Tanto el informalismo como el expresionismo abstracto le dan al arte un sentido individualista, valorando el gesto, la espontaneidad y la propia verdad del artista que sólo puede surgir a través de un proceso de meditación y automatismo con la materia y los pigmentos. En este sentido, el proceso de pintar es una especie de ritual-trance, en el que el artista expulsa a la luz todas las emociones que lleva dentro y que en ocasiones ni él mismo sabe que existen. En ambos movimientos se puede advertir la influencia de las vanguardias artísticas que los antecedieron, como son el uso del collage y todo tipo de materiales de los cubistas, o el automatismo psíquico y uso del azar de los surrealistas y dadaístas, así como la expresión de las emociones y sentimientos del expresionismo alemán, que se ve reflejado en el uso gestual del óleo o el acrílico a partir de chorreados, grandes empastes y salpicaduras de pintura. En la corriente informalista y el expresionismo abstracto, el uso del color es muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios (magenta, amarillo y cian) son los predominantes; de esta manera logran una obra de fuertes contrastes con colores puros e intensos.

Sin embargo, una diferencia fundamental entre ambos movimientos son sus bases ideológicas: los informalistas están fuertemente vinculados con el clima existencialista que se extendió por gran parte de Europa de la mano de autores como Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir. Para los existencialistas son los actos de los individuos los que determinan su definición como ser. El existencialismo defiende que el individuo es libre y totalmente responsable de sus actos, y debe alejarse de todo tipo de prejuicio, así como toda moralidad impuesta por la sociedad; esta corriente filosófica postula la generación de un ser humano completamente responsable de la ética con la que se conduce en la vida. Estas ideas de individualismo y cuestionamiento del papel del hombre en el mundo son gran fuente de inspiración para los artistas informalistas, quienes adoptan una actitud irreverente ante el arte y sus reglas.

Por su parte, los expresionistas abstractos se centran en la superficie y las emociones del momento sentidas por el artista, más que en una concepción o cuestionamiento del ser. De esta manera, conciben la superficie del cuadro como un espacio pictórico que se trata desde todas sus partes. Es el caso de Jackson Pollock (1912-1956), figura central del expresionismo abstracto, quien extendía la tela, normalmente sin imprimar, sobre el suelo, y derramaba la pintura de forma aleatoria, inmerso en el lienzo, trabajando desde adentro del soporte, lo que le permitía tener una sensación y percepción total de la obra. En Pollock se puede observar una gran influencia del “automatismo” de los surrealistas en el sentido de que sus salpicaduras sobre el lienzo son una escritura instintiva e inconsciente que refleja el estado psíquico y anímico del artista.

Pollock también tuvo como fuente de inspiración la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Igualmente, la obra del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, con quien trabajó en su taller experimental usando pintura con aerógrafo, así como pigmentos y esmaltes sintéticos industriales. Esta experiencia junto a Siqueiros hizo que el artista se interesara por probar diferentes materiales, hasta ese momento nada convencionales.

En el expresionismo abstracto destacaron artistas como Willem de Kooning y Franz Kline. Kooning (1904-1997) inicia su carrera artística con composiciones geométricas simples y líricamente coloreadas y luego su estilo evoluciona al uso de una figuración más evidente, en la que sintetiza la forma de manera elegante y con un entramado de líneas de poderosa vitalidad, de colores intensos y vigorosos, con pinceladas gestuales e impulsivas. Franz Kline (1910-1962), por su parte, aplicaba brochazos de manera fluida y con una gama completamente monocromática sobre soportes blancos.

En la corriente informalista destacaron artistas como el francés Jean Dubuffet (1901-1985) un innovador implacable. Para Dubuffet el artista era un creador que tenía que hacer un nuevo arte, completamente diferente a todo lo existente en ese momento. Esta búsqueda de lo nuevo lo llevó a experimentar con los materiales más inesperados, como cáscaras de frutas, hojas de follajes, papel de aluminio, gravas, así como una gran cantidad de texturas, todas trabajadas con fluidez y gran ingenio.

Otro artista sobresaliente fue el también francés Jean Fautrier (1898-1964), cuya obra abstracta refleja la tristeza y la desesperación de haber sido testigo del asesinato de ciudadanos franceses a manos de los nazis, experiencia que influye irremediablemente en su obra, la cual encapsula el color y el olor de la vida y la muerte.

Sin embargo, el informalismo encuentra su máximo representante y más influyente figura de talla internacional en el artista español Antoni Tàpies (1923-2012). Para Tàpies, la materia y la textura son un campo abierto para crear, así que utiliza principalmente el collage, adhiriendo a la superficie pictórica una gran variedad de materiales y empastes gruesos de pintura y textura sobre los que realiza incisiones, surcos y grietas. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de la pintura ya seca, lo que deja ver la superficie o capa existente debajo de ella.

Por su parte, en America Latina el informalismo se expandió de la mano del artista ítalo-argentino Lucio Fontana (1899-1968), quien buscaba desmaterializar la pintura a través de cortes, agujeros y rasgadura sobre el lienzo o el papel, conectando la obra con el espacio en el cual es colocada y con la propia realidad del espectador.