Beaumont Newhall sostiene que “la cualidad de autenticidad que una fotografía supone implícitamente pude darle un valor especial como testimonio, siendo entonces llamada ‘documental’ […] Así, cualquier fotografía puede ser entendida como un documento si se infiere que contiene información útil sobre el tema específico que se estudia” (2002: 235). La fotografía documental tiene un compromiso mayor con la sociedad al constituir un medio de denuncia y seguimiento de acontecimientos, hasta poner de manifiesto cada uno de los detalles por los que pasan las personas involucradas en los hechos.

El valor de esa denuncia consiste en que marca una diferencia entre que lo sucedido importe, o se pierda para siempre, pues con la fotografía documental se intenta que la sociedad advierta que cada decisión tomada afecta a la humanidad o a una parte de ella, y las imágenes quedan como un registro imborrable que guarda lo sufrido por las personas que atravesaron por circunstancias difíciles.

Sebastião Salgado (Aimorés, Minas Gerais, Brasil, 1944) estudió Ciencias Económicas en la Universidad de São Paulo, completó dos maestrías –una en Brasil, la otra en Estados Unidos–, y se doctoró en la Escuela Nacional de Estadística Económica en la Universidad de París. Trabajó en el Ministerio de Finanzas de Brasil y en la sede londinense de la Organización Nacional del Café, trabajo que le permitió realizar varios viajes por África comisionado por el Banco Mundial. Al recorrer los lugares menos frecuentados de África en los que la injusticia social era patente, Salgado cambió su carrera de economista por la de fotógrafo.

En sus comienzos como fotógrafo autodidacta, trabajó para la agencia Gama con sede en París, más tarde se unió a Magnum Photos (1979) y fue en 1994 cuando decidió formar su propia agencia, Amazonas Images, junto a su esposa, Lélia Wanick. Salgado trabaja con una cámara Leica y usa rollos en blanco y negro para todas sus tomas.

Su primer libro se tituló Otras Américas (1986), recopilación de su trabajo sobre la pobreza en América Latina, y según Salgado ese proyecto le permitió viajar por culturas en las que el tiempo transcurre a un ritmo del pasado. Ese mismo año también vio la luz otra obra, Sahel: El fin del camino, como fruto de su colaboración durante 15 meses con la organización Médicos sin Fronteras en la que registró los estragos causados por la sequía en África del Norte retratando la situación de los grupos de refugiados a lo largo de Mali, Etiopía, Chad y Sudán.

De 1986 a 1991 se centró en fotografiar la labor del hombre que trabaja en la producción con métodos tradicionales, para ello recorrió 25 países de América, África, Asia y Europa, y publicó las fotografías en Trabajadores (1993). En 1997 publicó Tierra, en el que retrata el fenómeno de las migraciones humanas desde sus diferentes causas: hambrunas, desastres naturales, represiones y guerras. Tres años después, en Éxodos recopila trabajos sobre la misma temática. A invitación de la Organización Mundial de la Salud, en 2001 comenzó su trabajo sobre la polio en República Democrática del Congo, India, Pakistán, Somalia y Sudán. El año siguiente se involucró en el proyecto Perfume de sueño / Café, un encargo de la empresa Illy, el cual lo llevó a fotografiar a los productores de café de Brasil, Etiopía, Indonesia, Colombia y Guatemala. En 2004 comenzó su proyecto Génesis, que lo condujo a visitar territorios vírgenes del planeta –alrededor de 46 por ciento de la Tierra permanece inalterada–, y publicó sus fotografías en 2013.

El trabajo de Salgado ha sido acreedor de diversos reconocimientos, entre otros, en 1985 recibió el World Press Photo y en 1989 el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. Asimismo, fue el primer fotógrafo en recibir el premio Príncipe de Asturias de las Artes (1998), cuyo jurado consideró que “ha sabido retratar la condición humana y evidenciar las desigualdades del mundo actual con un lenguaje plástico personal, profundo, poético y de alta calidad formal” (Fundación Princesa de Asturias, s. f.).

Según Ledo, la fotografía documental es “aquel género fotográfico que se asentó a mediados del siglo XIX en un contexto marcado por el positivismo y las formaciones políticas, el siglo de dinamismo económico liberal, de la prensa popular y la democratización de la fotografía” (1988: 29). La fotografía documental describe acontecimientos importantes y es de significado objetivo, está siempre acompañada de una serie fotográfica, un contexto visual que cuenta más detalladamente los sucesos que se propone dar a conocer el autor.

Los temas abordados por este género pueden o no ser noticia, ya que se trata de propiciar la trascendencia del tema que aborda, por lo general de corte emocional, de reivindicación o de denuncia; son asuntos de carácter universal que sirven como una pieza informativa en los archivos históricos y de conciencia social. El fotógrafo del género documental busca llamar la atención de la gente sobre hechos específicos, intenta crear una ambientación que conduzca a los espectadores a conocer a los personajes retratados por su lente, que son parte de una realidad que rara vez es vista desde el ángulo del fotógrafo, y que éste desea hacer llegar al corazón y a la conciencia del espectador.

Bruce Davidson (Oak Park, Illinois, 1933) estudio fotografía en el Rochester Institute of Technology de Nueva York a comienzos de los años cincuenta, y en 1955 comenzó a estudiar en la Escuela de Diseño de la Universidad de Yale. Fue su madre quien instaló para él un cuarto oscuro en el sótano de su casa, y en el momento en que la primera imagen surgió ante sus ojos supo a lo que deseaba dedicarse.

Al acabar sus estudios, a los 21 años, la tesis (ensayo fotográfico) que realizó sobre los jugadores de futbol americano en los vestidores, fue publicada en la revista Life. Al término del servicio militar, Davidson trabajó como fotógrafo independiente para esta revista y en 1958 Cartier Bresson, fundador de la agencia Magnum y al que había conocido en París durante su servicio militar, lo invitó a formar parte de ésta.

Su primer trabajo para Magnum fue con el circo Clyde Beatty, donde se enfocó en los camerinos, es decir, en la vida tras bambalinas de los protagonistas del escenario. Luego de esto, decidió documentar la vida de las bandas de Brooklyn, logró contactarse con los jóvenes de entre 15 y 17 años y pasó un año acompañándolos en sus barrios sin recursos ni futuro, fotografiando la vida difícil que llevaban, faltos de oportunidades. Lo que le interesaba a Davidson de aquellos muchachos era saber por qué la sociedad los había olvidado, qué ocurría en sus hogares, donde radicaba tanta desesperación.

En 1960 viajó a Inglaterra y Escocia para hacer fotografías de la clase trabajadora, de su vida y sus actividades después del trabajo. El año siguiente fotografió la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos, y en 1969 publicó East 100th Street, fotografías de la zona de negros y latinos en Harlem, donde se había involucrado en la vida de los protagonistas de aquella difícil parte de Nueva York.

Armado de varias cámaras y todo tipo de accesorios fotográficos, en 1980 capturó la vida transcurrida en el subterráneo (metro) de Nueva York, y su trabajo se publicó en un libro titulado Subway. Realizó fotografías en blanco y negro y a color usando flash para oscurecer el fondo y destacando las luces fluorescentes y a los sujetos retratados. En 1991 se dedicó a capturar el paisaje de Central Park usando blanco y negro, fijó su lente en la naturaleza y las personas, en particular en los vagabundos que se refugiaban en el parque. En las últimas décadas dedicó su labor al tema de la naturaleza.

Respecto al reconocimiento de su labor profesional, en 1962 recibió una beca Guggenheim, y también le fue otorgada la primera beca para fotografía del National Endowmwnt for the Arts; en 1998 recibió un premio de la Open Society Institute, y en 2004, el premio Lucie Award de Fotografía Documental; en 2007 fue acreedor de la medalla de oro del National Arts Club.

En palabras de Fontcuberta, “[s]i a la fotografía documental hubiera que reconocerle alguna función esencial, ésta consistiría simplemente en impedir que se disipara la memoria, […] [en establecer] un legado gráfico de impredecible valor…” (1990: 23). La memoria forma parte intrínseca de la fotografía, porque ésta ayuda a que lo que acontece sea recordado. La fotografía documental, en unión con sus protagonistas –el fotógrafo y el retratado–, es un activo participante de esta lucha por no olvidar, por reflejar la realidad que no se detiene, pero que puede ser capturada por el lente de una cámara para formar parte de una serie fotográfica que actúe como una presa, intentado detener el continuo flujo de instantes que conforman la vida, para mantener en permanente inmovilidad los instantes que no se deben olvidar. ♦

FONTCUBERTA, J. (1990). Verdad, tiempo, memoria. En: LÁPIZ. Revista Internacional de Arte, año 9, núm. 72, pp. 22-23 [en línea]: <www.revistalapiz.com/la-fotografia-documental/>. Ir al sitio

Fundación Princesa de Asturias (s. f.). Sebastião Salgado. Premio Príncipe de Asturias de las Artes 1998. Acta del Jurado [en línea]: <www.fpa.es/es/premios-princesa-de-asturias/premiados/1998-sebastiao-salgado.html?texto=acta&especifica=0>. Ir al sitio

LEDO, M. (1988). Foto-xoc e xornalismo de crise. La Coruña: Edicions do Castro.

NEWHALL, B. (2002). Historia de la fotografía. Barcelona: Gustavo Gili.