En la actualidad cuando a un estudiante se le solicita que visite un museo de arte y escriba un reporte, en la mayoría de los enunciados que dan cuenta de su observación no va más allá de un miramiento superfluo, o de juicios banales como “bonito” o “feo”, “sí me gustó” o “no me gustó”.

Si bien es cierto que no existe una formulación infalible para la decodificación de una obra, ya que no puede reducirse el amplio estudio del arte a una simple receta, este texto desea brindar un primer acercamiento a las múltiples perspectivas que proporciona el arte mismo.

El primer paso es sembrar la semilla de la curiosidad, echar un vistazo general y después decidir si existe alguna pieza en particular que atraiga nuestra atención, es decir, ¿por qué es importante para mí conocer esta pieza de arte? Tal vez sea una obra famosa que muchas personas han alabado en la historia y no sé por qué, o bien se trata de una poco conocida pero el rostro del personaje principal me resulta enigmático, o quizá el uso de los colores me tranquiliza o me inquieta, o bien el tamaño me parece imponente. En resumen, puede haber una variedad infinita de elementos atractivos, pero lo esencial es la creación de un nexo con el espectador.

Por lo general, en las fichas técnicas de las obras plásticas podemos encontrar la siguiente información que es indispensable para iniciar nuestro análisis: autor, título de la obra, año de creación, técnica, dimensiones, y lugar en el que se encuentra expuesta.

Ya que la obra tiene nuestra atención, procedemos a examinarla, y lo primero que debemos hacer es observar (no ver), preguntarnos y describir: ¿quiénes son los personajes o cuáles son las figuras principales?, ¿qué actividades realizan o qué relación hay entre ellos?, ¿qué objetos la enmarcan?, ¿cuál es su ambientación?, ¿es de día o de noche?, ¿es un paisaje o una escena interior?

Para la explicación en general del análisis, usaremos como ejemplo La habitación de Vincent en Arlés, óleo sobre lienzo (56.5 × 74 cm) pintado por Vincent van Gogh en 1889 (Walter y Metzger, 2001), que se encuentra en el Museo de Orsay en París; se trata de una de las dos reducciones o copias que realizó el artista, pues el original (73 × 92 cm) se dañó durante las inundaciones que afectaron al sur de Francia. Todos los ejecutó durante su estancia en Saint-Rémy en septiembre de 1889.

En dicha obra podemos observar una habitación escoltada por dos puertas; como objeto central en la parte derecha de la composición, una cama de madera con una gran cobija roja y almohadas y sábanas en color verde limón, ambientada por paredes en color lila, un perchero con ropa y un sombrero colgando detrás de la gran cama, dos sillas de bejuco verde y una mesita de noche con cajón, que tiene a su izquierda un espejo y una toalla; sobre la mesita hay algunos objetos de higiene personal: dos cepillos, dos lociones, una jarra con su vaso y un jabón, todo esto debajo de una ventana de puertas batientes aparentemente al interior. La habitación está decorada en su sección derecha con cuatro cuadros, dos de ellos retratos, y todo ello soportado en un piso de madera en tonos de café.

Este es el punto primordial, intentar establecer una tesis sobre lo que se piensa antes de saber nada sobre la obra en cuestión, elucubrar una idea fuerte, es decir, establecer una hipótesis que denote o que suponga los motivos de creación de la obra, o bien, manifieste un punto de vista en particular sobre la obra o su temática. Respecto a La habitación de Vincent en Arlés podría parecer que incluso a un niño de preescolar se le ocurriría retratar su habitación, pero en este caso, considero de modo general que una habitación representa el sitio de reposo por excelencia; por lo tanto, La habitación… es una alegoría de la inocente idea de un lugar de paz, una forma de mostrar el lugar donde se gestaban sus sueños.

La fecha de las obras marca el momento histórico particular en que fueron creadas, por ello habrá que considerar si los hechos de la época o algunos acontecimientos previos tuvieron influencia o dieron lugar a motivaciones o afectaciones en la creación de una determinada pieza. Para este punto es indispensable investigar el contexto de su creación, es decir, indagar sobre la historia, la vida del pintor, sus influencias, los movimientos culturales de su época y el lugar en el que fue creada la obra.

Vincent Willem van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en la casa parroquial de la localidad holandesa Groot-Zundert (y fue bautizado con el nombre del hijo que nació muerto el mismo día del año anterior). Fue el mayor de los seis hijos de Theodorus van Gogh, pastor de la comunidad, y su esposa Anna Cornelia, quienes contrajeron matrimonio en 1851.

Vincent van Gogh encontró su vocación a los 27 años. Al terminar su formación escolar, en 1868 entró como aprendiz de marchante de arte en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Co., fundada por su tío Vincent. Más tarde seguiría sus pasos su hermano Theo, en la filial de Bruselas, con quien mantuvo durante toda su vida una relación muy estrecha y una correspondencia muy intensa, raras veces interrumpida. Fue en la galería Goupil & Co., en sus filiales en Londres, París y La Haya, donde entró en contacto con obras de arte y artistas.

En la búsqueda de su pasión llevó a cabo distintos oficios a lo largo de su vida. Por influencia de su padre y para satisfacer su vocación religiosa, durante un tiempo se dedicó a la evangelización de los pobres, viajó a la Borinage, una cuenca de carbón belga donde vivió en pobreza extrema, visitó a los enfermos y heridos y leyó la Biblia a los mineros. En otros momentos trabajó como profesor auxiliar enseñando francés, alemán y aritmética; impartió también clases en la escuela dominical en Ámsterdam y de pintura en Eindhoven; trabajó como auxiliar en una librería e incluso soñó con encontrar una oportunidad como ilustrador en Inglaterra, cuestión que nunca se concretó. La falta de constancia en su quehacer hizo necesario que su hermano Theo lo apoyara económicamente tanto para su manutención como para la compra de materiales y pintura hasta el día de su muerte. Su vida estuvo llena de amores imposibles y rechazos, hospitalizaciones a causa de enfermedades, depresiones y crisis emocionales con ideas de suicidio.

Sin embargo, Vincent nunca abandonó el dibujo, y su interés por el arte siempre estuvo latente. Efectuó visitas a las diversas galerías y museos de los lugares en los que radicó, así conoció y admiró la obra de artistas como Millet, Delacroix, Zola, Rembrandt, Hals, Morticelli, Chavannes, Courbet. Dibujaba con empeño y realizaba siempre bocetos.

Como fue siempre su inquietud, en Bruselas estudió anatomía y perspectiva, tomó clases de dibujo en Arles y estudió con varios maestros, quienes también fueron sus mentores.

La prolífica obra de Van Gogh está constituida por cerca de novecientas piezas (¿Cuántas pinturas hizo Van Gogh?, 2017), que abarcan trabajos hechos al natural y de memoria de paisajes, flores y árboles en flor, huertos, barcas de playa, retratos de pueblo, retratos campesinos y de obreros, personajes de barrios pobres con muchos estudios de cabeza[1], paisajes nocturnos, con técnicas como acuarela, óleo, aguafuerte, además de experimentaciones con el sistema de reproducción litográfico. Para la pintura de estudio usó un marco perspectívico como los de los maestros alemanes, italianos y flamencos. En 1882 descubrió el óleo y luego estudió los problemas del color; su contacto con la obra de Paul Rubens resultó decisiva para que Van Gogh incluyera en la suya colores intensos y luminosos.

No fue un artista valorado en su época por su revolucionaria concepción. Uno de los pocos encargos recibidos durante su vida fueron los veinte dibujos a pluma, de vistas urbanas, por parte de su tío Cornelis. Julien Tanguy fue un proveedor de materiales de pintura para los artistas, pero dado que éstos muchas veces atravesaban por situaciones precarias, Tanguy se convirtió con el tiempo en un coleccionista importante de obras, ya que suministraba materiales a cambio de éstas. Tal fue el origen de otro de sus esporádicos encargos, dos retratos del benefactor y marchante.

El único cuadro que nuestro artista logró vender en vida (1890) fue El viñedo rojo, comprado en 400 francos por Anne Boch (también pintora), hermana del poeta y pintor belga Eugène Boch, con quien Vincent sostuvo una gran amistad y a quien retrató para la primera versión de La habitación de Vincent en Arlés, que se encuentra hoy en Ámsterdam.

Un ideal siempre presente fue constituir una asociación o círculo de artistas que les permitiera estar en contacto y hacer relaciones para vender sus cuadros; lo intentó durante su estancia en Ámsterdam (1885), pero sus esfuerzos no fructificaron. Por medio de su hermano Theo, Vincent entró en contacto con artistas como Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Signac, Seurat, Toulouse-Lautrec y Gauguin, con quienes estableció amistad; luego de ello, en sus pinturas se aprecia un colorido más claro.

Se supone que las crisis que afectaban a Van Gogh eran a causa de la epilepsia, el insomnio, la esquizofrenia y el alcoholismo que padecía. De una acalorada discusión artística con el pintor Paul Gauguin, mientras vivieron y trabajaron juntos en Arlés, surge el episodio en el que Vincent se corta la parte inferior de la oreja izquierda, la envuelve en un trozo de papel periódico y la regala a una prostituta en un burdel. Después de ello vivió otras crisis, por lo que se vio obligado a recluirse, por voluntad propia, en el sanatorio de Saint-Paul de Mausole, cerca de Saint-Rémy, en donde pintaría de memoria otra obra reconocida: La noche estrellada (1889).

Después de un par de crisis similares, Vincent fue mudado en mayo de 1890 por su hermano Theo a la ciudad de Auvers-sur-Oise para recibir atención médica. Allí vivió pintando y dibujando intensamente. El 27 de julio de 1890 salió al campo al atardecer y volvió bastante tarde; el artista se retiró a su habitación de manera discreta. El matrimonio Ravoux, dueño de la pensión donde se alojaba, se da cuenta de que sufre de dolores y él les confiesa que se ha disparado en el pecho; los médicos lo vendan, pero no le extraen la bala. Vincent murió el 29 de julio en presencia de su hermano Theo. Dadas las condiciones de su muerte, la iglesia le negó el servicio y su cuerpo fue velado en la misma habitación donde murió. Ésta fue decorada en su totalidad por su hermano Theo, con todas las pinturas que Vincent había realizado en sus últimos dos meses de vida (cerca de ochenta piezas), junto con su caballete y sus materiales de pintura.

El cuerpo de Vincent van Gogh hoy descansa en el cementerio de Auvers-sur-Oise, al norte de París, junto al de su hermano.

La obra de Van Gogh es posterior al movimiento impresionista, caracterizado por el uso de una técnica que consistía en plasmar la descomposición de la luz sobre la materia, el dominio del claro sobre claro, con una estética fundamentada en un intenso análisis del color a través de la superposición de pinceladas y la combinación de colores.

Los artistas impresionistas se consideraron investigadores de los efectos de la luz destructora de formas, dando paso a la abstracción y llenando las obras con un alto efecto óptico. Como resultado de la decantación de este estilo, surgió una vertiente denominada postimpresionismo o neoimpresionismo, que integró estos ingredientes ópticos, con una mayor fuerza expresiva y sensitiva del color (colores más puros e intensos), y añadió a la interpretación de la obra no sólo la simbología del color sino también el ánimo del artista.

Para nuestro ejemplo, es importante mencionar algunos acontecimientos relevantes que influyeron de manera general en la obra de Van Gogh. El primero de ellos posibilitó su contacto con la cultura japonesa, ya que “en marzo de 1854 se firma el ‘Tratado de Kanagawa’ […] entre autoridades japonesas y el comodoro Matthew Perry de Estados Unidos, es decir, Japón abre sus fronteras después de 251 años de aislamiento, ello permitiría el comercio entre Estados Unidos y posteriormente Rusia, Francia y Gran Bretaña, pues estos países, a consecuencia del primero, lograron firmar también un tratado comercial que les permitía la concesión de establecimientos, territorios y aranceles mínimos para las importaciones” (Tratado de Kanagawa, s. f.). Esta apertura abrió al mundo la riqueza cultural japonesa, de la cual Van Gogh se convirtió en un devoto admirador, de manera particular de su arte, de su estampa. En Retrato de Pére Tanguy, “Van Gogh compuso frontalmente a Pére Tanguy, quien aparece sentado, con las manos entrelazadas, una pose que conoce desde los retratos de Rembrandt. La pared que se ve tras Pére Tanguy está cubierta de estampas japonesas, que Van Gogh había comprado por poco dinero de Siegfried Bing, el especialista de arte japonés en París…” (Elger et al., s. f.).

El segundo hecho fue la obtención de la primera fotografía por Joseph Nicéphore Niépce en el año 1826. Al arte le fue relevada la pesada carga de representación de la realidad, su mimetismo; por ello, la concepción de Van Gogh fue cambiando: no se proponía principalmente una representación correcta, usó formas y colores para expresar lo que sentía acerca de lo que pintó y para que otros experimentaran lo mismo que él. “No se preocupó mucho por lo que llamaba la realidad estereoscópica, esto es, la reproducción fotográficamente exacta de la naturaleza, exageraría e incluso acentuaría la apariencia de las cosas, si esto conviniese a sus fines…” (Gombrich, 2001). Van Gogh quiso que su obra expresara lo que sentía, la distorsión de los elementos le ayudaba a conseguir su propósito y fue un recurso recurrente en muchas de sus obras.

A partir de la Revolución francesa y la Revolución industrial surgieron dos clases sociales: la burguesía y el proletariado. Este hecho también revolucionó la pintura, pues las temáticas a partir del realismo democratizan el arte, ya que ahora no sólo el clero, la nobleza, la mitología, los monumentos o las grandes hazañas históricas son dignos de ser inmortalizados, sino también las personas comunes en escenas del día a día.

Ya a comienzos del siglo XIX, los diversos avances químicos y técnicos pusieron a disposición un número muy elevado de sustancias colorantes. Colores como la malva y el rojo de alizarina inundaron el mercado […]. Otro avance que facilitó el trabajo al aire libre, en 1841 fue la oferta por primera vez de pintura en tubos metálicos que podían volver a cerrarse, ya no era necesaria la agotadora manipulación de pigmentos pulverulentos que podía dispersar cualquier golpe de viento, ni tampoco había necesidad de mezclar pinturas… (Elger et al., s. f.).

Ello hizo que Van Gogh pudiera decidir si trabajaba al aire libre o en interiores, pues el material ya no era una limitante de la pintura. También, con su visión propuso que el lienzo se llenara intensamente tanto de color –herencia de Manet, el grupo impresionista y Seurat con su teoría de complementarios–, como de una fuerte expresión. “Pero el pintor del futuro es un colorista como no había existido hasta ahora. Manet le preparó el camino, pero […] los impresionistas trabajaron más intensamente con el color que Manet” (Elger et al., s. f.).

En esta sección se trata de crear una síntesis de los resultados y de exponer cómo se llegó a ellos, así como de qué medios se dispuso. Es preciso considerar si la intención del artista fue clara o no al generar la obra, es decir, si deseaba comunicar o evocar algún sentimiento o emoción, ¿lo logró?; ¿qué es lo que al final consideré más importante?; y finalmente, ¿cómo afectó mi conocimiento general?

Por último, pero no menos importante, no podemos olvidar dar crédito a las fuentes de información, ya sean bibliográficas o mesográficas, empleadas para la elaboración del análisis.

Este artículo pretende ser una guía para la construcción de análisis más concretos y profundos, y tiene por objetivo que los estudiantes generen tesis y por ende conclusiones críticas con respecto a las formas de mirar y entender el arte.

Por lo tanto, siguiendo con el ejercicio:

La habitación… es una obra armoniosa de un modo avasallador, dado que emplea la simetría como uno de sus recursos expresivos por excelencia, no sólo por la duplicidad de los elementos, sino por el empleo profuso de la regla áurea en la composición.

La idea del artista se logra medianamente respecto al descanso, ya que la intensidad de sus colores, la fuerza del trazado y las pinceladas, así como su perspectiva, aminoran el efecto buscado; mientras que el objetivo de los elementos representados denota a toda costa dejar en claro que se trata del lugar ideal no sólo para el descanso y reposo tanto físico como emocional, sino también para el aislamiento del exterior, lo cual hace evidente la soledad en la que se encontraba.

Van Gogh fue un genio no valorado en su época, que creó un arte personal e íntimo, y llevó consigo el estandarte del arte de principios de siglo XX, el arte por el arte, es decir, se adelantó a su época. El tiempo y la difusión de las intensas misivas con sus familiares y amigos permitieron una mejor comprensión de su legado. Fue un insurgente de la academia, pues nunca supo adecuarse a ella y siempre ésta le pagó con el desprecio. Además, generó un arte de todos para todos, porque la temática y los personajes de su plástica fueron muy diversos, siempre en la búsqueda de un estilo propio.

Para la elaboración del presente artículo, además de recurrir a las diversas fuentes citadas, fue importante la visita a la exposición museográfica Rojo mexicano: la grana cochinilla en el arte, llevada a cabo en el Museo de Bellas Artes de noviembre de 2017 a febrero de 2018. El recorrido de la exposición me impactó de un modo positivo, pues la observación en vivo de la obra del artista, uno de mis muchos favoritos, clarifica que su manera de ver el mundo fue intensa y fuerte, como sus pinceladas y su color. ♦