Frida Kahlo siempre insistió en el carácter documental de su trabajo y en su estrecha relación con los eventos reales experimentados en su vida.

En Autorretrato con pelo corto, Frida viste un traje gris oscuro, de talla mayor a la suya, y una camisa carmesí. En todo el piso aparece esparcido su cabello, cuidadosamente detallado, y en la esquina inferior izquierda se advierte el remanente de una trenza que se ha cortado.

Frida se divorció de su esposo, el muralista Diego Rivera, en noviembre de 1939, sólo unos meses antes de comenzar esta pintura, y hay quienes sostienen que se cortó el cabello como un acto de duelo por su separación de Rivera.

Por otras imágenes y fotografías de Frida Kahlo y Diego Rivera, sabemos que el traje con el que aparece en el autorretrato habría sido reconocido al instante como el traje de Rivera, por lo que podría interpretarse como un acto muy tierno y a la vez agresivo, en el sentido de que ponerse el traje de otra persona es asumir, en alguna medida, su identidad (en este caso, la identidad artística del muralista).

Las palabras inscritas en la parte superior del lienzo y las notas musicales probablemente tienen su origen en una canción popular mexicana[3] sobre un hombre que ama a una mujer por su cabello, y cuando ella se lo corta, él deja de amarla.

Se podría decir que Frida crea esta pintura no sólo como un acto de duelo sino como un acto de autoafirmación, ya que pinta en el momento en que está ansiosa por establecerse como una artista independiente.

Para trabajar con los alumnos

Luego de invitar al grupo a observar con atención una reproducción de Autorretrato con pelo corto, conviene propiciar que los estudiantes se planteen las siguientes preguntas:

¿Quién es esta persona?, ¿por qué usa esa ropa?, ¿cómo es su cabello?, ¿cómo es su estructura facial? ¿Tiene aretes? ¿Se trata de una mujer o de un hombre?

Si se juzga pertinente, en algún momento puede hacerse notar el cabello en el suelo; y tal vez cuando alguien repare en las tijeras diga que esa persona se cortó el pelo. Pero no sólo es una mujer que se cortó el cabello, es una mujer que usa un traje, por lo que surge otra pregunta: ¿por qué quiere parecer un hombre?

Entonces es oportuno llamar la atención hacia la parte superior de la pintura, donde sobre unas notas musicales está escrito: “Mira que si te quise, fue por el pelo / Ahora que estás pelona, ya no te quiero”.

La conversación en el grupo de alumnos se podrá desarrollar fácilmente como una historia. Basta formular algunos comentarios que conduzcan a nuevas interpretaciones hasta que al final aparezca la reflexión sobre la identidad personal e incluso sobre el feminismo, sobre qué es la belleza, cuál es el lugar de una mujer en el mundo, etcétera.

Esta pintura contiene elementos que resonarán en la conciencia de algunos estudiantes, pues resulta común que tengan que lidiar en su entorno social con valoraciones respecto a su vestido, peinado y arreglo personal. Algunos habrán experimentado ya la injusticia de que alguien haya dicho: “Solo te amé por tu cabello”, como se expresa en los versos de la canción que aparece en la pintura. Puede cerrarse la conversación comentando respecto a otra situación injusta: que Frida Kahlo, casada con un muralista de mucha fama, no obtuvo en vida el reconocimiento que merecía como artista y que sólo logró tras su fallecimiento.

En 1940, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una gran exposición titulada Veinte siglos de arte mexicano, y Orozco fue comisionado por el museo para ir a Nueva York y pintar un mural. Orozco, con ayuda de asistentes, pintó Bombardero en picado y tanque en un salón del museo en sólo diez días, incluso tuvo que terminar de pintarlo frente a la audiencia.

Esta obra, llevada a cabo durante la Segunda Guerra Mundial, tiene relación directa con las preocupaciones de Orozco. Él formula una declaración universal contra la violencia representando la máxima monstruosidad de la modernidad. En la escena de los cuerpos destrozados, aparece un elemento central semejante a un avión bombardero que se ha estrellado. En la parte inferior del mural se observan algunas caras unidas con cadenas, y en el lado derecho, las piernas de una víctima. También hay un elemento orgánico que se asemeja a una serpiente. Se trata de una visión apocalíptica, en un tiempo apocalíptico.

Para trabajar con los alumnos

Esta pintura se puede trabajar con niños de cuarto grado y superiores. Los alumnos probablemente se pregunten qué es eso. Si se interesan en las caras, cabe preguntarles: ¿Y qué significa que una de estas caras tenga cadenas en la boca? Es probable que los estudiantes relacionen esa imagen con la pérdida del derecho de hablar.

También puede llamarse la atención sobre la cara que tiene clavos en los ojos, que algunos estudiantes relacionan con perder la capacidad de ver la verdad.

A continuación es posible hablar sobre la sensación de peso que está sobre las caras, y luego propiciar la atención en el elemento naranja, ¿por qué es naranja?, ¿es como lo que sienten que está presionando? ¿Qué sienten que mantiene a este grupo de personas oprimido? Los alumnos pueden hablar sobre la falta de libertad o sobre la opresión.

Y luego, si nadie ha reparado en ellas, será oportuno guiar la mirada del grupo a las piernas: ¿Qué creen que está sucediendo? ¿Es posible que alguien esté siendo absorbido por eso? ¿O alguien está siendo aplastado? Hay grupos de estudiantes que se sienten atraídos por el simbolismo. Se trata de una de esas pinturas en las que casi se pueden sentir las cadenas sobre uno al mirarlas.

Siqueiros, uno de los muralistas mexicanos reconocidos mundialmente, abogó por “construir un arte monumental y heroico, un arte humano, un arte público”. Activista y propagandista de la reforma social, mostraba su mentalidad política incluso en su elección de materiales y formatos: rechazó lo que llamaba “arte burgués de caballete” y utilizó pinturas y métodos comerciales e industriales.

Su obra Suicidio colectivo reproduce una visión apocalíptica de la conquista española sobre México. Siqueiros pintó tropas españolas armadas y montando a caballo, con un cautivo encadenado, inclinado y tambaleándose frente a ellos. La estatua rota de un dios muestra la ruina de la cultura indígena. Los indios chichimecas, separados de sus atormentadores por un pozo, matan a sus propios hijos, se ahorcan, se apuñalan con sus lanzas o se arrojan a los acantilados en lugar de someterse a la esclavitud.

Suicidio colectivo es al mismo tiempo un monumento a las culturas prehispánicas de América y un grito de guerra contra los regímenes totalitarios contemporáneos.

Para trabajar con los alumnos

Los estudiantes notarán de inmediato los dos tercios superiores de la obra y cuán interesante es la aplicación de pintura. Advertirán el conjunto de figuras que están a caballo, portando armas, y el color sugiere que usan armaduras y cascos. Después, podrán observar un segundo conjunto de figuras, se darán cuenta que también tienen armas, pero no participan directamente en la batalla con el primer grupo, sino que han vuelto las armas contra sí mismas: hay sangre y parece que se están suicidando (hecho que confirma el título de la obra).

El conjunto de estas observaciones da lugar a una conversación. Al preguntarse por qué están haciendo esto, hayan o no estudiado la Conquista, los estudiantes podrán obtener una noción general de dos civilizaciones en conflicto.

Esta obra de arte resulta muy interesante para los estudiantes y una de las razones tiene que ver con la forma de la pintura. El docente puede presentar la idea de que Siqueiros consideraba que al hablar sobre temas sociales y políticos radicales, el método para producir la obra debía ser igualmente radical. Por otra parte, es importante resaltar que Siqueiros estaba muy comprometido políticamente, luchó en la Revolución mexicana y se enlistó como voluntario en la guerra civil española. Sin embargo, en 1936, ¿eligió pintar sobre alguna de esas cosas? No. Por el contrario, reflexionó sobre la Conquista. Es probable que a los estudiantes les parezcan curiosos estos atributos del artista y quieran hablar sobre por qué haría eso.

¿Cuál sería el valor de reflexionar sobre ideas y situaciones contemporáneas, así como sobre temas del pasado? Pensar en todo esto podría resultar una situación desafiante para los estudiantes y propiciar que sus cerebros giren en nuevas direcciones. ♦

FARMER, R. (creación) (2011). School Programs: José Clemente Orozco. Dive Bomber and Tank. 1940 (video) [en línea]: <www.moma.org/learn/moma_learning/tools_tips/>. Ir al sitio

FARMER, R. (creación) (2013a). School Programs: David Alfaro Siqueiros. Collective Suicide. 1936 (video). Nueva York: The Museum of Modern Art [en línea]: <www.moma.org/learn/moma_learning/tools_tips/>. Ir al sitio

FARMER, R. (creación) (2013b). Teaching Tips: Frida Kahlo. Self-Portrait with Cropped Hair. 1940 (video). Nueva York: The Museum of Modern Art [en línea]: <www.moma.org/learn/moma_learning/tools_tips/>.Ir al sitio

LA MÚSICA popular influyó en pinturas de Frida Kahlo, afirma una catedrática (2015). En: Efe.com, 20 de noviembre [en línea]: <www.efe.com/efe/america/mexico/la-musica-popular-influyo-en-pinturas-de-frida-kahloafirma-una-catedratica/50000545-2769887>. Ir al sitio

VIDAL, N. (2016). ¿Cómo definen el arte los grandes artistas? En: Arte al límite, 9 de febrero [en línea]: <www.arteallimite.com/2016/02/09/como-definen-el-arte-losgrandes-artistas/>. Ir al sitio